Como hemos estado viendo a lo largo de todos estos temas, estamos rodeados de imágenes, imágenes que dependiendo de la cultura, la sociedad, las ideologías… así serán interpretadas. Aún compartiendo la misma clase social, la ideología y la cultura, obtenemos un resultado distinto, pues ya hemos dicho que la realidad es subjetiva.
Estamos acostumbrados a hablar con miedo a meter la pata, hay «algo correcto» que es inmutable. Lo que nos han enseñado es lo que es, y no cabe posibilidad a otra cosa. Ahí me llama la atención la imagen de, como dirían mis primos pequeños, «sabia/o» de la/el docente. Pero volvemos al tema de siempre, ¿Quién elige lo que debemos enseñar? ¿Quién está detrás de las imágenes que nos bombardean constantemente? El canal difusor cargado de ideología es algo muy importante a tener en cuenta, pues los niños ahora tienen acceso a la mayoría, por no decir a todos, de ellos. La televisión, la prensa, las revistas, las galerías de arte… 
Si nuestros niños están viendo todos los días desde que se levantan hasta que se acuestan imágenes como éstas, lo ven como normal; y adoptan roles de comportamiento que otros quieren que adopten, pudiéndose poner en duda la libertad del individuo a la hora de formarse como persona.
¿Pero quién está detrás de lo que vemos? ¿Quién/es son los que quieren que seamos lo que somos? ¿Qué obtienen ellos a cambio? Esto podríamos trabajarlo en el aula a través de una reflexión sobre sus propias identidades. Las cosas que les influyen, por qué visten como visten, por qué actúan como actúan ante diversas situaciones…
Estos interrogantes que yo misma veía imposible contestar a principio de curso, con un poquito de esfuerzo he conseguido llegar a conclusiones que antes ni me imaginaba. Esto cuesta, pues aún tengo compañeros que no llegan al núcleo del asunto; pero un poquito de persistencia ayudaría a las niñas y niños a conseguir reflexionar sobre ellos mismos. Personalmente, la identidad me parece interesante para trabajarla en el aula.
También se exponen imágenes nuestras sin nosotros querer, escáneres, cámaras de seguridad… Otros canales de difusión de imágenes son los canales «privados»: fotos de DNI, fotografías familiares , recuerdos,
radiografías, TAC, webcams… Pongo privados entre comillas porque ahora con el tema de las redes sociales, se ha perdido la noción de privacidad. En las redes sociales encontramos fotos de lo más sorprendente, fotos que son mejores guardar bajo llave por lo ridícula que son, fotos que nos muestran como objeto y no como personas. Fotos perfectas para esta sociedad del espectáculo en la que debemos aprender a convivir. En la que la mujer es un objeto sexual, un objeto que satisface las necesidades de los hombres,. Pero el problema es que teóricamente parece que el machismo se está extinguiendo. Pero el caso es que encontramos imágenes como éstas.
Las imágenes, según se acercen o se alejen del parecido a la realidad, podemos decir que son más o menos figurativas. Cuando su parecido es nulo o casi inexistentes, decimos que son imágenes, figuras abstractas.
Figuras hiperreales, o de mímesis: estas figuras tienen el grado más alto de fidelidad a la realidad
Figuras de mínimo grado de parecido a la realidad o abstractas: 
– Abstracción orgánica: predominan las líneas curvas
, formas irregulares
– Abstracción geométrica: predominio de líneas rectas, formas regulares
– Action painting
Pero hay muchas opciones intermedias entre lo abstracto y lo más fiel a la realidad. 
El color juega un papel muy importante como vimos en temas enteriores. En este caso, aunque haya una mezcla de colores «no reales» hay un alto grado de realidad.
También hay casos en los que se buscaba la belleza ideal, la perfección del cuerpo, saliéndonos de nuevo un poquito de lo que entendemos como realidad.
En esta escultura podemos observar la imagen de una mujer con el pelo al aire, pero ésta se aleja aún más de la realidad que las anteriorres.
Representación esquemática de la persona. A veces no es necesario representar al máximo detalle las figuras para que el mensaje llegue rápida y claramente al receptor.
Pero las imágenes podemos ordenarlas según su capaz de transmisión. Según este criterio la clasificacion quedaría algo como:
a) Imágenes imformativas: no es necesario representar al máximo detalle las figuras para que el mensaje llegue rápida y claramente al receptor
b) Otras imágenes: conmemorativas, publicidad, entretenimiento…
C) imágenes «obras de arte» : ¿Como determinar que algo es arte? Si buscamos la definición de arte en un diccionario convencional seguramente encontraríamos algo parecido a esto: 
actividad que requiere de un aprendizaje y a su vez puede limitarse a una habilidad técnica; como al mismo tiempo ampliarse hasta el punto de incluir una visión particular del mundo. Aunque, por su puesto, dicha explicación de este término no sea errónea, si puede ser considerada incompleta; al mismo tiempo el arte implica un aspecto más subjetivo porque, desde ya es una disciplina subjetiva. Cuando leemos la definición de arte al estilo “técnico” sólo estamos entendiendo que la misma es una actividad en la cual se requiere habilidad y aprendizaje, pero el arte en sí mismo involucra muchas más características.
Pero, ¿Qué es el arte?La definición de arte establece que el mismo es una disciplina o actividad, pero en un sentido más amplio del concepto, decimos que el talento o habilidad que se requiere para ejercerlo está siempre situada en un contexto literario, musical, visual o de puesta en escena. El arte involucra tanto a las personas que lo practican como a quienes lo observan; la experiencia que vivimos a través del mismo puede ser del tipo intelectual, emocional, estético o bien una mezcla de todos ellos.
Aunque nos resulte difícil creerlo, la definición de arte hace un paralelismo con la ciencia; se asegura que tanto el arte como la ciencia requieren de habilidad técnica; tanto los artistas como los científicos tratan siempre de impartir un orden a partiendo de sus diversas experiencias vividas. Ambos pretenden comprender el universo en el que habitan y se desarrollan, hacen una valoración de él y transmiten lo que interpretan a otros individuos; de todas formas no podemos establecer una paridad entre el arte y la ciencia, existe una diferencia esencial entre ambas: los artistas seleccionan las percepciones cualitativamente y luego las ordenan de manera que manifiesten su propia compresión cultural como personal, mientras que los científicos estudian las percepciones de los sentidos no de manera cualitativa sino cuantitativa y así es como descubren leyes que reflejen una verdad universal y única. Otra de las principales diferencias que separan al arte de la ciencia es la posibilidad de refutar; mientras que los científicos pueden invalidar leyes o teorías a través de investigaciones, las obras de arte poseen un valor permanente, 
aunque cambie el punto de vista del artista o el gusto del público.En la mayoría de las sociedades y civilizaciones, el arte ha combinado la función práctica con la estética, pero en el siglo XVIII, el mundo occidental decidió distinguir el arte como un valor estético que, al mismo tiempo, contaba con una función práctica. Si buscamos una definición de arte de índole más “pura”, decimos que es un medio por el cual un individuo expresa sentimientos, pensamientos e ideas; es así como vemos a este conjunto plasmado en pinturas, esculturas, letras de canciones, película y libros. Las bellas artes centran su interés en la estética, nos referimos a la pintura, danza, música, escultura y arquitectura; las artes decorativas suelen ser utilitarias, es decir “útiles” específicamente.
Pero el arte, también podría tener una clasificación atendiendo a algunos tópicos sobre él, aunque ésta sea un poco social, pues como en temas anteriores hemos tratado hay diversas formas de ver la relaidad.
Decimos que el arte puede estar hecho a mano:
O que no está hecho a mano:
Otros son considerados como difíciles: arte hecho con moldes. Este por ejemplo está hecha con la figura humana
Arte expresivo:
Y así podríamos estar hasta el fin de los días, con calificativos que nosotros mismo damos. Nos da miedo aportar algo diferente a lo que otros «entendidos de la materia» ya han dicho, nos coartan nuestra pequeña libertad a la hora de pensar y de expresarnos como no sgustaría en realidad. Con lo que clasificar un objeto como arte es una tarea muy, pero que muy difícil. La categorización del arte no es lógica, ni siempre la misma. La clasificación de éstas es más que nada un consenso social.
En el arte tenemos como estamos viendo diversos tipos de obras, unas muy majestuosas, otras muy voluminosas, unas muy expresivas, otras menos emotivas, pero hay cavidad para todas. Esto hay que tenerlo muy encuenta a la hora de escoger nuestro criterio de corrección en el aula. La realidad es subjetiva y cada uno la interpreta como quiere y puede, por eso si mandamos alguna actividad que sea dibuja un super héroe, y aparece un niño que te trae a superman con un vesitdo de rayas, no debemos ponerle una nota más baja que al que pinte a superman con todos y cada uno de sus detalles originales. Debemos que establecer nuestro criterio de evaluación y no olvidar qué estamos evaluando, ¿de qué me sirve un superman perfecto si debería representar movimiento y parece que está acostado?
Lo más importante es que nuestros alumnos sean capaces de contar, de narrar su propia historia. Creo que ahora es cuando estoy entendiendo la dinámica del «yo soy» ahora sí sería capaz de contar como en realidad me veo ahondando un poco más en mí. Esta sería quizás una buen aactividad para trabajar en el aula. Reflexionar sobre quiénes somos, qué nos influye, cómo nos ven los demás… el dia 15 d eoctubre y volverla a hacer el 15 de junio. Creo que algunos, y no digo todos porque si amí me ha costado imagínate a un niño pequeño… se darían cuenta de lo que han aprendido, sería quizás una fórmula para evaluar el procesod e aprendizaje de los alumnos.
Shrek. Con él dejamos de lado los prejuicios por los rebeldes sin causa, para convertirlo en objeto de admiración y cariño.
Hay muchísimas formas de interpretar la realidad, con lo que la nuestra no es la única ni la que prevalece sobre las demás.
A mí, personalmente me parece denigrante que mientras paseo con mi amplia sonrisa porque hoy me veo la mujer más guapa del mundo, me veo esto y, sinceramente me rio porque creo que yo valgo más que aquellas chicas de goma que salen en los anuncios.
además de haber tenido la desgracia de perder a sus padres (sin contar que las segundas nupcias del fulano habían sido por lo menos desafortunadas), era medio tonta, ¿Nunca se le ocurrió reclamar su parte de la herencia y mudarse? ¿Nunca le tentó la posibilidad de mangar algunas joyas de las parientastras y darse a la fuga?
Ahora bien… la moraleja de Blancanieves es: “desconfía de los espejos parlantes” o “no comas manzanas”… la de Caperucita: “no comas nietas y abuelas en el mismo almuerzo” (dieta disociada para lobos) o bien “no agarres la autopista para ir a lo de tu abuela”, o “no mandes a tu hija pequeña sola por el bosque, desgraciada!”. ¿Pero cuál es la moraleja de La Cenicienta? “Cállate y sigue limpiando niñaa!!». Cenicienta es el paradigma de los finales felices, que consisten en conseguir un maromo con pasta al cual desposar (que se usará en adelante, para todas las novelas y comedias románticas de la historia, salvo “El Club de las Divorciadas”).
. Lo que interesa es que veamos Venecia como la ciudad del amor. Una ciudad donde todo es magnífico y maravilloso. Entonces, si vas a Venecia ¿tu pareja estará contigo para toda la vida? Esto es lo que le interesa enseñar a los «poderosos» . Tienen un gran interés económico, pues no creo que cuando digas que te vas de viaje de novios lo primero que te enseñen en la agencia sea un barrio marginal. Niños en la calle pidiendo, muriéndose de hambre, donde robar a los turistas es el pan de cada día… esto es un claro ejemplo de que no vemos lo que queremos ver sino lo que otros quieren que veamos.
ejemplo de ello puede ser esta fotografía. Hace no mucho más de 50 años esta fotografía era venerada por todos, y quién osara a no hacerlo era castigado severamente. Sin embargo podemos ver claramente en esta foto como la escultura está amarrada con arneses, pues iban a retirarla por motivos ideológicos. Queda claro como las formas de ven la realidad son cambiantes. Lo que antes era sinónimo de idolatría ahora se considera como algo «prohibido». Parece que lo que interesa es tapar esa parte del pasado, no vemos lo que queremos ver. Sin embargo, si vamos a Polonia, podemos ver fácilmente «Auschwitz», algo de lo que nos sentimos orgullosos pero que simplemente pasó, y como tal, debemos saberlo. No porque no estemos de acuerdo con lo que significó podemos quitarlo sin más. Así sería mucho más fácil comprender la realidad en la que vivimos. Sería mucho más fácil de entender la magnitud que tubo el Franquismo si algunas de las esculturas se conservaran.
Pongo esta imagen porque me parece curiosa, se trata de Fernando Sánchez Castillo el autor de la polémica fuente-escultura de Franco escupiendo a Stalin, instalada hace poco en la localidad gallega de Caldas de Reis.
Por ejemplo, esta escultura nos da más información de la que pensamos. A simple vista podemos observar la figura del faraón y una mujer que podríamos decir que es su esposa. Sin embargo, si seguimos preguntando a la imagen vemos como el faraón se encuentra totalmente rígido, dando lugar a pensar que es así como se demuestra el «porte» de éste. Aunque la esposa también tiene cierto grado de hieratismo, es menos que la de él, pues con una mano parece llevar sujeto a su esposo y con la otra le toca el brazo. La mirada hacia el horizonte, casi desafiante, nos informa del sumo respeto que debía de tener el pueblo hacia su eminencia. También podríamos decir que ese hieratismo nos habla un poco de divinidad, el papel del faraón como un Dios. Esto se puede fundamentar con la idea que éstos tenían de que el faraón era elegido por Dios, es decir el faraón es Dios personificado. Y como Dios es perfecto, como no iba a serlo el faraón; con esto quiero decir que las representaciones de los faraones estaban idealizadas. Aquí podemos ver como las imágenes nos hacen ver una realidad ficticia, pues no vemos lo que queremos ver sino lo que algunos, en este caso el faraón, quiere que veamos. Podríamos mencionar también como el faraón tiene una pierna adelantada a la de su esposa, dejando «leer entre líneas» una clara superioridad del hombre hacia la mujer. Pues él es el más poderoso y su esposa solo está para acompañarle en su «dura» tarea del mandato.
El éxito de este invento fue inmediato, no sólo en Francia, sino también en toda Europa y América del Norte. En un año los hermanos Lumière creaban más de 500 películas, marcadas por la ausencia de actores y los decorados naturales, la brevedad, la ausencia de montaje y la posición fija de la cámara. El desarrollo de las nuevas técnicas cinematográficas, de una mayor narrativa, y la elaboración de los primeros guiones de ficción, provocó que los hermanos Lumière quedaran en segundo plano en el crecimiento de su cinematógrafo. El arte de la cinematografía alcanzó su plena madurez antes de la aparición de las películas con sonido. Dado que el cine mudo no podía servirse de audio sincronizado con la imagen para presentar los diálogos, se añadían títulos para aclarar la situación a la audiencia o para mostrar conversaciones importantes.
(talla dulce)
Después empieza a soplar a través de la caña para formar una burbuja con la masa vítrea y obtener a partir de ella la forma y el espesor deseados, moldeando y recalentando constantemente la masa junto a la puerta del horno. Para obtener formas más refinadas se utilizan herramientas sencillas, como tijeras, pinzas (pucellas) y espátulas, y el artesano suele sentarse en una silla especial para el soplado, con largos posabrazos para poder apoyar la caña de hierro. También se usan moldes para dar forma al vidrio soplado. Pueden ser medios moldes, que sirven de plantilla para la masa y luego se quitan para continuar soplando hasta alcanzar el tamaño deseado, o moldes enteros, dentro de los que se sopla la masa vítrea para darle forma, tamaño y decoración. Pueden añadirse piezas adicionales que se manipulan para formar picos, asas y pies o para crear diseños decorativos. A una burbuja ya moldeada se le da un toque de color sumergiéndola en una fusión vítrea de otro color. Para obtener vidrio de varias capas se coloca la masa vítrea y se le van fusionando de una en una varias capas de vidrio de diferentes colores, y para su acabado y pulido se coloca la pieza junto a la boca del horno, sobre una barra de hierro, y se retira la caña de soplar. En 1903 se inventó una máquina de soplado totalmente automática
Cellini describe dos procedimientos alternativos que siguen muy de cerca métodos practicados desde la antigüedad clásica y que se han seguido aplicando hasta nuestros días. Los principios de la operación de vaciado hueco por el sistema de cera perdida son inmutables y sencillos, pero los métodos difieren según se deseen una o más copias. Una de las mayores obras que jamás se vaciaron fue la gran estatua ecuestre de Luis XIV, ejecutada por Dirardon (1966) y destinada al centro de I plaza Vendome de París. La operación elevó las técnicas de vaciado a su punto culminante. Por este motivo se eligió, cincuenta años más tarde, para ilustrar los métodos de vaciado en la Enciclopedia de Diderot. El vaciado hueco requiere un modelo, un molde y un núcleo. El modelo es la obra original del escultor, modelada en arcilla. Se cubre con yeso por partes, para que este molde se pueda levantar por secciones cuando esté duro.
A continuación se construye una armazón de hierro sobre la cual se puede formar el núcleo. Algunos de sus varillas deben tener dimensiones suficientes para sobresalir del núcleo. Este es una tosca imagen del modelo y se construye con capas sucesivas de arcilla (según Vasari en el siglo XVI se mezclaba con estiércol y crines de caballo). El núcleo es ligeramente más pequeño que la estatua terminada. En la siguiente etapa, las secciones de yeso del molde de piezas se retiran y se cubre cada una, por su interior, con una capa de cera, que adquiere así las características superficiales del modelo original.
El líquido, se aplicaba sobre el cobre, se fijaba y quedaba plasmada en él la imagen fotográfica. Casi todos los daguerrotipos eran colocados sobre un fondo liso y oscuro, con una iluminación difusa. Pero era un producto demasiado caro, pesado, difícil de conservar y precisaba de un tiempo de exposición muy alto.
Su gran éxito comercial fue la introducción en el mercado del carrete de papel fotográfico, lo que provocó la sustitución de las placas de cristal empleadas hasta el momento. Posteriormente, lanzó el carrete de celuloide que terminó por emplear una protección que permitía su extracción y colocación bajo la luz ambiente.
Lo más dificil es enseñar a nuestros alumnos que cuando dibujen las formas, no se queden con el contorno, sino que vayan más allá, que entiendan la estructura tridimensional de los objetos. En la práctica es esencial comenzar a dibujar objetos sencillos, formas geométricas fácilmente reconocibles y si son transparentes, mejor. Por ejemplo, botellas de forma prismática, pirámides de cartón, cilindros de metacrilato..Es muy interesante no descuidar el llamado Dibujo Técnico: si aprenden los rudimentos de la perspectiva, de la geometría descriptiva, estarán mejor preparados para dibujar cualquier cuerpo a mano alzada.
El más famoso de los monumentos megalíticos de Inglaterra y la estructura prehistórica más importante de Europa. Aunque se desconoce con exactitud su función, es muy probable que hubiera sido un lugar de reunión tribal o un centro religioso relacionado con la observación astronómica. Es por esto que, Levantaron la piedra Hele con la intención de que el día de solsticio de verano señalase el sol naciente en el horizonte desde el centro del circulo. 
dominante en la mezcla de las ondas luminosas. El Matiz se define como un atributo de color que nos permite distinguir el rojo del azul, y se refiere al recorrido que hace un tono hacia uno u otro lado del circulo cromático, por lo que el verde amarillento y el verde azulado serán matices diferentes del verde. 
También puede ser definida por la cantidad de gris que contiene un color: mientras más gris o más neutro es, menos brillante o menos «saturado» es. Igualmente, cualquier cambio hecho a un color puro automáticamente baja su saturación.
Otra forma de desaturar un color, es mezclarlo con su complementario, ya que produce su neutralización. Basándonos en estos conceptos podemos definir un color neutro como aquel en el cual no se percibe con claridad su saturación. La intensidad de un color está determinada por su carácter de claro o apagado. 
A medida que a un color se le agrega mas negro, se intensifica dicha oscuridad y se obtiene un valor más bajo. A medida que a un color se le agrega más blanco se intensifica la claridad del mismo por lo que se obtienen valores más altos. Dos colores diferentes(como el rojo y el azul) pueden llegar a tener el mismo tono, si consideramos el concepto como el mismo grado de claridad u oscuridad con relación a la misma cantidad de blanco o negro que contengan, según cada caso.
Los colores sustractivos, son colores basados en la luz reflejada de los pigmentos aplicados a las superfícies. Forman esta síntesis sustractiva, el color magenta, el cyan y el amarillo. Son los colores básicos de las tintas que se usan en la mayoría de los sistemas de impresión, motivo por el cual estos colores han desplazado en la consideración de colores primarios a los tradicionales.
A pesar de que este sentido es poco considerado en relación con los sentidos catalogados como “importantes”, como el de la vista o el oído, el tacto es el primero de los cinco sentidos que se manifiesta ya desde el período de gestación. El tacto es el encargado de la percepción de los estímulos que incluyen el contacto y presión, los de temperatura y los de dolor. Su órgano sensorial es la piel, que, además, tiene el mérito de ser el órgano más grande del cuerpo. La percepción de estos estímulos externos se realiza a través de las células receptoras específicas que tiene cada una de estas señales en la piel. 
Prägnanz es una palabra alemana de muy difícil traducción, podríamos traducirla como algo así «forma que transporta la esencia de algo» 
Aunque en la naturaleza se ve la simetría horizontal, en las imágenes especulares de los lagos y las aguas, esta simetría es menos pagnante que la establecida por los ejes o planos verticales.
Nuestro cerebro es capaz de interpretar que esas manchas que se encuentran al final del aula son personas. Pues se está repitiendo la misma imagen desde la primera fila hasta la que podemos percibir con claridad.
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